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Art colombien : émergence et consolidation de l’art abstrait
Art colombien : émergence et consolidation de l’art abstrait
Article par : Santiago Londono Vélez
Article de couverture : Guillermo Wiedemann du livre :
ART COLOMBIEN 3 500 ans d'histoire
Dans les années 1950, l'art colombien connaît une ouverture aux courants dominants de l'art international, notamment l'art abstrait, qui triomphe sur la scène internationale après la fin de la Seconde Guerre mondiale, devenant un paradigme esthétique du monde dit libre . L'abstraction a été accueillie avec enthousiasme par plusieurs des nouveaux artistes colombiens, mécontents de la proposition indigéniste du mouvement Bachué et du néo-costumbrisme académique. Cela coïncide avec un moment politique incertain, qui a conduit à un coup d'État militaire en 1953, à une dictature qui a cédé la place au Front National (1958-1974), à un accord bipartisan visant à mettre fin au conflit sanglant que le pays a connu jusqu'au milieu du siècle. -XXe siècle. Le constructivisme de l'Uruguayen Joaquín Torres García (1874-1949), illustré par Composition III (1935), n'avait pas trouvé de résonance parmi les artistes colombiens, mais il avait des adeptes sous d'autres latitudes.
D'origine uruguayenne, Torres García a voyagé très jeune en Espagne avec sa famille. Il étudie à Barcelone, où il expérimente la peinture, s'oppose à l'académie artistique conventionnelle et est un collaborateur d'Antonio Gaudí. Il voyage à New York où il rencontre Marcel Duchamp puis revient en Europe, où il entre en contact avec l'avant-garde internationale et fait partie du célèbre groupe constructiviste « Circle and Square ». Après plus de quatre décennies hors de son pays, il est revenu en Uruguay à l'âge de 59 ans. Il ouvre le Taller Torres García en 1943 et en 1944 il fait connaître à Buenos Aires son fameux « universalisme constructif », un courant totalement opposé à la conception esthétique de son compatriote Figari. Ses approches, diffusées dans son atelier et dans une revue éphémère qu'il a fondée, ont attiré les jeunes artistes les plus agités, qui ont trouvé en Torres un professeur avec ses propres normes de design, de style et de couleur. Parmi eux figurent Francisco Matto (1911) et Julio Alpuy (1919), représentés avec les œuvres Construction with Animal (1967) et Still Life and Bottle (1959). Dans ces pièces, la perspective centrale est brisée, la profondeur s'aplatit et les personnages deviennent signes.
Torres García a défendu la nécessité de créer un art enraciné dans la culture américaine, même si dans ses créations il a supprimé les conventions académiques basées sur les enseignements de Mondrian et est devenu le pionnier de l'abstraction en Amérique latine. Des éléments tirés de l'environnement urbain, des signes d'origines diverses (horloges, étoiles, poissons, ancres) et des allusions à des natures mortes, apparaissent disposés de manière non réaliste et font partie de son vocabulaire le plus reconnu.
Lors de l'Exposition des jeunes artistes de Colombie, organisée en 1947, les premières manifestations de l'art abstrait ont émergé dans le pays. Le pionnier de ce mouvement fut le peintre de Bogota Marco Ospina (1912-1983), avec ses premières œuvres datant de cette année-là, lorsqu'il publia également son article « L'art de la peinture et la réalité », dans lequel il prônait la non-figuration comme son propre résultat. ... de la société moderne. Cette position souleva une polémique chez les Bachués, centrée sur la figuration traditionnelle. Les peintures les plus caractéristiques d'Ospina sont celles dans lesquelles il révèle la géométrie sous-jacente du paysage. Il en dérive vers une sorte d'abstraction géométrique, dans laquelle il conserve des références à la nature qui l'inspire. C'est le cas de Subachoque (1970) et de Tunjuelo (1972). Les aplats de couleurs, la simplification maximale de la perspective et le sens rythmique de la composition sont des ressources typiques présentes dans ces œuvres tardives qui illustrent une nouvelle forme de représentation.
Une deuxième étape de l'abstraction colombienne a commencé dans la première moitié des années 1950, lorsque la première exposition d'œuvres abstraites a été présentée à la Bibliothèque nationale, grâce à Eduardo Ramírez Villamizar (1923), qui a reçu un accueil froid du public et de la presse. . Cette exposition fut suivie par d'autres d'artistes tels que Marco Ospina, Judith Márquez (1929-1994) et Guillermo Silva Santamaría (1922). A cette époque, « (...) l'art abstrait est encore une aventure et non une mode, comme il le sera quelques années plus tard » (Iriarte, 1984).
"...l'art abstrait est encore une aventure et non une mode, comme il le serait quelques années plus tard"
Les cultivateurs de l’abstraction les plus constants et les plus déterminés furent au départ des artistes figuratifs. Une fois qu’ils ont adopté la nouvelle école, ils ont évolué vers diverses modalités, notamment dans les années 1960, lorsque l’abstraction est devenue l’avant-garde de l’art colombien. La collection de la Banco de la República présente plusieurs exemples de cette tendance esthétique, car sa formation a coïncidé avec la montée de l'abstraction. Avec un critère large et à des fins d'exposition, les variantes configurées peuvent être classées en deux grands groupes : l'expressionniste abstrait et l'abstrait géométrique.
Guillermo Wiedemann (1905-1969) est né en Allemagne et a étudié à Munich et Berlin. Dans les années 1930, il parcourt plusieurs villes européennes et en 1939, avant le début de la Seconde Guerre mondiale et fuyant le nazisme, il décide de voyager en Colombie encouragé par son ami, le photographe et ingénieur Otto Moll (1904-1994). Il entra par le port de Buenaventura, où il se retrouva face à une nature tropicale exubérante. Il a vécu à Bogota et a commencé à peindre sous l'impact des tropiques. En 1940, il expose son travail à la Bibliothèque nationale, où il se fait remarquer comme coloriste. Ses premiers tableaux sont un hymne à la vie et au peuple américain, comme on le voit dans The Maiden (1941). Jusqu'en 1956, il se concentre sur l'expression de la nature tropicale, sur sa lumière chaude et mystérieuse et sur le monde des Noirs. Un deuxième échantillon, en 1945, appelé « Motifs tropicaux », était composé de 63 peintures à l'huile résultant de voyages d'observation dans différents lieux chauds de Colombie. Comme l’écrivait Howard Rochester à propos de l’exposition : « …avant les représentations de femmes noires et métisses, avant les documents sur les tropiques américains, ces peintures sont, sèchement et triomphalement, de la peinture ! (cité dans Iriarte et al., 1985). En effet, le peintre évite tout élément psychologique ou social et se concentre sur les formes, les couleurs et les effets atmosphériques qu'il capte avec une grande sensibilité.
« …avant les représentations de femmes noires et métisses, avant les documents des tropiques américains, ces peintures sont, sèchement et triomphalement, de la peinture !
-Howard Rochester
Wiedemann participe à de nombreuses expositions tout au long des années 1950, époque où la figure humaine se généralise jusqu'à devenir des jeux de couleurs, tandis que l'espace perd sa perspective tridimensionnelle et se réduit au plan. Dans le milieu artistique national, la nouveauté la plus importante du moment est l'art abstrait et Wiedemann ne sera pas étranger à cette innovation, vers laquelle il évolue lentement et sûrement, à partir d'une figuration schématisée et d'espaces architecturaux à peine suggérés. Dès 1958, sa intention abstractionniste se précise puisque toute allusion à la figure humaine ou animale, présente dans ses premières œuvres, disparaît dans son œuvre. Le critique Walter Engel décrit ainsi les peintures à l'huile des années 1960 : « … d'une abstraction essentiellement décorative, l'artiste a évolué vers une abstraction transcendantale » (cité dans Iriarte et al., 1985).
Au début des années 1960, Wiedemann réalise une série d'aquarelles véritablement magistrales, suivies de peintures à l'huile et de collages avec divers éléments de rebut, ces dernières œuvres étant considérées par Marta Traba comme «... une heureuse rencontre avec la matière», un rajeunissement. de possibilité expressive. Des pièces telles que Bright Color Blocks (1962), Shapes on a Yellow Background (1963) et The Aperture (1964), qui font partie d'une série bien accueillie à l'échelle internationale, illustrent très bien sa production abstraite et les préoccupations esthétiques qui l'animent. au cours des quinze dernières années de la vie.
Guillermo Wiedemann
Blocs de couleurs vives / 1962 / Huile sur toile
Initialement formé à l'expressionnisme allemand, Wiedemann peut être considéré comme l'un des fondateurs de ce mouvement en Colombie, à partir duquel il a évolué vers une abstraction indépendante de la réalité comme référence. La Banque de la République est dépositaire d'une partie de son précieux héritage, dans lequel on peut suivre de près l'évolution d'une œuvre magnifique, pleine de couleurs et de conscience de soi.
Originaire d'Allemagne, Leopoldo Richter (1896-1984) arrive en Colombie en 1929, où il pratique l'entomologie, et à partir de 1955 il se fait connaître comme peintre puis comme céramiste. Son intérêt thématique se concentre sur les motifs indigènes, dans lesquels il évite le réalisme et préfère les interpréter avec un langage moderne, caractérisé par la liberté formelle et chromatique. Il intègre fréquemment des éléments abstraits et des références figuratives dans sa peinture, comme dans Indes au drap rouge (1959). Juan Antonio Roda (1921), après quelques études académiques d'art, débute en autodidacte à l'ombre des maîtres classiques espagnols et plus tard de Picasso. En 1955, il s'installe en Colombie et depuis lors, il acquiert une reconnaissance bien méritée en tant que portraitiste et professeur. Bien qu'à différentes étapes de sa brillante carrière il se soit aventuré dans la figuration en tant que peintre et graveur, c'est peut-être dans l'expression abstraite qu'il se sent le plus à l'aise. Entre Tombe d'Agamemnon (1963) et Montagne 7 (1988), il y a vingt-cinq ans, mais dans ces œuvres on retrouve le même peintre, absorbé à chercher à approfondir un langage plastique fait de taches, de lignes, de graphiques, de gestes et des allusions secrètes, chargées d'intensité, de poétique et de sagesse picturale. Le premier tableau faisait partie d'une série, exposée lors de l'inauguration du Musée d'Art Moderne de Bogotá en 1963, avec laquelle l'artiste cherchait à se débarrasser des influences qu'il avait acquises jusqu'alors. Le deuxième tableau a été peint après une longue carrière au cours de laquelle il s'est aventuré dans la gravure et a réalisé différents ensembles de peintures à l'huile, comme ceux intitulés « Felipe IV », « Autoportraits », « Christs », « Fenêtres de Suba » et « Fleurs ». ». Il fait partie d'une série de quinze tableaux, inspirés par les montagnes colombiennes : « …mais évidemment – comme le disait le peintre en 1989 – les montagnes ne sont pas des montagnes mais répondent à une idée de structure essentielle qui se développe dans la dynamique du tableau et autour de cela il y a une approche de la couleur, un problème d’une certaine violence et tension.
Roda commence la gravure sur métal en 1970, une technique dans laquelle il atteint une grande virtuosité et une puissance expressive extraordinaire, grâce à l'intensité lyrique et symbolique qu'il atteint dans diverses séries. Avec Portrait d'un étranger (1971), il réalise une introspection personnelle sur un certain romantisme sous-jacent aux visages qui pourraient être les masques de l'artiste. Risa (1972) s'inspire de l'une de ses filles et étudie le contenu du bonheur, du plaisir et de la joie de la jeunesse en contrepartie de la mort.
Parmi les peintres et sculpteurs qui ont travaillé dans le domaine de l'abstraction géométrique figurent Édgar Negret (1920) et Eduardo Ramírez Villamizar. Negret, née à Popayán, a étudié le dessin, la peinture et le modelage à Cali, en Colombie. À Popayán, il rencontre le sculpteur basque Jorge Oteiza, engagé comme professeur et qui deviendra finalement une personnalité fondamentale dans sa formation artistique. En 1949, il s'installe à New York, où il découvre le travail d'Alexander Calder. À Paris, il abandonne la référence aux objets concrets que son travail avait jusque-là, et à Majorque, il commence à tracer les fondements abstraits définitifs de son esthétique. Grâce à une bourse, il retourne en Amérique du Nord, où il étudie l'art magique des Indiens Navajo et fait partie d'un groupe de sculpteurs non figuratifs qui s'opposent à New York à l'action painting, un travail dans lequel l'assemblage de modules métalliques est déjà présent. ... aux vis apparentes, et qui condense les recherches de l'époque, est Mapa (1960). La purification technique et la solution de problèmes sculpturaux complexes se retrouvent dans Edificio (1967), une pièce qui fait des allusions évidentes à une poétique de la technologie et des constructions humaines, et contient des tensions externes et internes régies par la loi d'une volonté rationnelle singulière et inspirée. Commençant par un voyage au Machu Picchu en 1980, son travail s'inspire de sources précolombiennes, conservant un langage cohérent. La couleur et la forme se concentrent sur des significations symboliques de valeur universelle, dotées de résonances musicales et religieuses.
Edgar Négret
Carte (de la série Magical Devices) / 1960 / Relief en bois et métal
Ramírez Villamizar a étudié l'architecture et fut d'abord un peintre expressionniste, tendance contre laquelle il réagit par une simplification progressive des figures, jusqu'à ce qu'il se plonge dans l'abstraction géométrique bidimensionnelle, dans des peintures telles que El Dorado No. 2 (1957) et Horizontal Verde. ...bleu (1958). Au moment où il produisit ces pièces, son travail était largement reconnu aux États-Unis. Il commence à supprimer la couleur jusqu'à évoluer vers des reliefs tridimensionnels totalement blancs. Des reliefs, il passe à la sculpture, technique dans laquelle il trouve son expression la plus personnelle. Chez Ramírez Villamizar, le processus créatif est dominé par une conception strictement rationnelle, dans laquelle la composition modulaire, le rythme, l'équilibre et un symbolisme secret sans références extérieures majeures acquièrent une importance définitive, comme dans Mural horizontal (1965) et dans Homenaje al poet Jorge Gaitán Durán. (1964). Egalement stimulé par la culture précolombienne et notamment par la culture inca, l'artiste a réalisé dans ses œuvres les plus récentes une iconographie sobre, basée sur la géométrie du losange et du diamant. Negret et Ramírez ont créé des constructions métalliques austères et inspirées, dans lesquelles le goût de l'ordre et de l'espace intérieur revêt une signification esthétique particulière, tout en ouvrant de larges et nouvelles voies à la sculpture colombienne.
Omar Rayo (1928), après une première période d'artiste figuratif, a exploré l'Op Art de manière très personnelle, pour produire une œuvre imaginative, pleine de surprises visuelles qui n'excluent pas un contenu ludique, comme dans Trío con briío (1965). David Manzur (1929), sous l'influence du sculpteur Naum Gabo, développe des œuvres abstraites constructives basées sur la géométrie et, à partir de 1974, il revient à la figuration, avec des allusions personnelles raffinées à l'art de la Renaissance. Carlos Rojas (1933-1997) et Fanny Sanín (1935) sont des peintres qui ont fait de la géométrie et de la couleur leur principal objet artistique, opposant le chaos et la confusion, l'ordre et la structure, comme dans le cas de Paysage (1972) et Sans titre (1973) de Rojas et Acrylique n°4 (1986) de Sanín. Parallèlement, Manuel Hernández (1928) évolue d'une première étape figurative, illustrée par Piña Cortada (1960), vers une abstraction intellectuelle de formes géométriques douces, centrée sur une symbolique personnelle dénuée de rhétorique, qui fait appel aux signes et à la mémoire, avec de subtiles vibrations. et des harmonies de couleurs, comme on le voit dans Blue and Pink Sequence (1983).
Omar Rayo
Trio avec brio / 1966 / Acrylique sur toile.
Au niveau latino-américain, les manifestations d’art cinétique ont prospéré, produites par des artistes qui ont obtenu une reconnaissance internationale. Parmi les représentants les plus notables de ce courant, on peut citer le Vénézuélien Jesús Rafael Soto (1923) et les Argentins Julio Le parc (1928) et Rogelio Polesello (1939). Du premier, qui s'est défini comme un artiste non-objectif intéressé à montrer « la valeur abstraite de la structure pure », est la pièce Kinetic Acrylique Structure (sf), équipée d'éléments mobiles destinés à produire des effets optiques inattendus, qui Ils sont modifiés en fonction des mouvements effectués par l'observateur. Le parc, quant à lui, explore dans Composition R-27 (1970) les conséquences visuelles des ondulations et des reflets métalliques. Le tableau Laca Numéro 7 (1967), de polesello, étudie les résultats chromatiques des déplacements de parcelles de couleurs sur un plan.
Le plus irrévérencieux de tous les artistes abstraits colombiens fut sans aucun doute la sculptrice Feliza Bursztyn (1933-1982), à la fois en raison de l'état des déchets métalliques qu'elle utilisait, comme on le voit dans Encaje (vers 1964), et en raison de son attitude libertaire. Son œuvre introduit une sorte d’anarchie formelle dans la sculpture nationale. Il utilise des matériaux tels que des débris et transforme sa matière première en images pleines d'intentions, d'allusions humoristiques ou mordantes, avec lesquelles il confronte de manière critique la propreté rationnelle et le décorum constructiviste de la sculpture géométrique. « La ferraille a acquis entre leurs mains, selon Marta Traba (1985), cette ductilité et cette sorte de libre association fluide indispensable pour ne pas la transformer en une masse informe et dépourvue de sens [...] elle s'installe par conséquent dans le scandale. à la limite de l’indécence sculpturale.
Plus tard, dans trois séries intitulées « Las hystericas », « Las cujas » et « La baila mécaniciena », l'artiste a créé des objets avec leur propre mouvement à l'aide de moteurs électriques, situés dans des environnements comprenant de la lumière et du son. Ces œuvres avaient un sens expérimental et ludique marqué qui faisait allusion au comportement humain et suscitait de multiples réactions et perceptions chez les spectateurs.
«La ferraille acquise entre ses mains»
-Marta Traba
Les fondateurs de l’art abstrait ont eu pour mission de « mettre à jour » l’art colombien par rapport à l’art international, au moment même où le pays traversait ce qu’on appelle l’ère de la violence. Ils ont démontré qu’il était possible de créer des œuvres éloignées des réalités nationales et des milieux artistiques conventionnels et ont assimilé les postulats des tendances internationales. L'abstraction a adopté la rationalité et la sobriété de la géométrie, une logique de modules qui évoluent dans l'espace, des rythmes de couleurs arbitraires, la liberté de l'informalisme et de l'expérimentation du hasard, le langage de la tache et du geste calligraphique, la spontanéité, l'expressionnisme et la poésie des formes irréelles.
Après la rupture introduite par les pionniers, la peinture abstraite a connu un grand nombre d'adeptes au cours des décennies 1950 à 1970, largement représentés dans la collection de la Banque, grâce aux expositions parrainées par la Bibliothèque Luis Ángel Arango. À cet égard, il convient de rappeler l'un des incidents les plus notoires de l'époque, lorsque plusieurs peintres traditionnels, opposés à l'abstraction, se sont déguisés en aveugles et ont visité l'exposition "Peinture abstraite de Colombie" dans les salles de la Bibliothèque en 1958. , un acte de protestation par lequel ils voulaient laisser entendre qu'il n'y avait rien à voir là-bas.
Parmi ceux qui ont pratiqué une abstraction caractérisée par la liberté formelle et la spontanéité chromatique figurent Luis Fernando Robles (1932), avec Pintura No. 5 (1956) ; Michel Cardena (1934, nationalisé en Hollande), avec le numéro 45, œuvre 56 (1959) ; Alberto Gutiérrez (1935), avec Blue Abstraction (1959) ; Justo Arosemena (Panama, 1929 ; en Colombie depuis 1955, décédé en 2001), avec Intimidad (1960) ; Alfonso Matéus (1927), avec Abstraction (1961) ; María Tereza Negreiros (Brésil, 1930 ; en Colombie depuis 1964), avec le tableau n° 2 (1961) ; et Augusto Rivera (1922-1982), avec Sans titre (1967).
Un autre groupe de peintres a adopté des éléments terrigènes et des allusions au passé aborigène, comme dans le cas d'Antonio Grass (1937) dans Escudo ritual (1965), et dans celui de Jorge Riveros (1934) avec son œuvre Chibcha No. III (1973). . Parmi les artistes qui ont choisi les allusions à la nature au sens large comme point de départ de leur production abstraite, que ce soit dans le domaine de la géométrie ou de l'informalisme, on peut citer : Jan Bartelsman (1916-1998), avec Satori (1965) ; Armando Villegas (Pérou 1928, en Colombie depuis 1945), avec Nacimiento de un meteoro (1965) ; Álvaro Herrán (1937), avec Signal pour une galaxie (1966) ; Nirma Zárate (1936-1999), avec Grand Bloc de Pierre de Rêve (1967) ; Beatriz Daza (1927-1968), avec Nature morte aux fleurs (1968) ; Hernando del Villar (1944-1989), avec Amanecer (1970) ; et Édgar Silva (1944), avec Éclipse partielle du soleil non visible en Colombie (1973).
Armando Villegas
Naissance d'un météore / 1965 / Encaustique sur bois
Olga de Amaral (1932) a combiné la tradition manuelle et symbolique précolombienne dans l'art du tissage, avec des références à la nature et l'application imaginative des ressources picturales de l'art abstrait et cinétique. Par ce type de fusion, son œuvre se caractérise par une démonstration de sensibilité visuelle et tactile et de subtiles allusions poétiques à la mémoire ancestrale, à la magie et au rituel, dépassant l'opposition traditionnelle entre art et artisanat.
Olga de Amaral
Mur tissé n°98. / 1972 / Tissé avec des fibres végétales et animales
Simultanément et comme dans un dialogue tranquille avec des artistes abstraits nationaux, il convient de considérer le travail d'importants artistes abstraits latino-américains qui illustrent les différentes instances qu'a assumée la non-figuration. Il s'agit, entre autres, de María Luisa Pacheco (Bolivie, 1919-1982), avec Mallasa (1980) ; Armando Morales (Nicaragua, 1927), avec Peinture (1966) ; Manuel Felguérez (Mexique, 1928), avec Torso Ondulations (1967) ; Vicente Rojo (Espagne, 1932), avec Old Signal No. 10 (1967) ; Eduardo Mac Entyre (Argentine, 1929), avec Yellow Construction (1969) ; Milner Cajahuaringa (Pérou, 1932), avec signe archaïque en trapèze (1975) ; Ary Brizzi (Argentine, 1930), avec Partition 4 (1971) ; María Martorell (Argentine, 1914), avec Sunya (1971) ; et Arcángelo Ianelli (Brésil, 1922), avec Negro y rojo (1985).
A partir de l’émergence et de la consolidation de l’abstraction, l’art colombien verra prospérer différents courants artistiques qui se manifesteront simultanément. Il n’existera plus, comme autrefois, d’académie qui unifie l’expression. Sous l'impulsion de la critique Marta Traba, et grâce à l'activité menée par de nouveaux créateurs, l'art colombien cherchera à s'inscrire, de manière décisive et non sans conflits internes, dans l'art contemporain. Désormais, de multiples influences mêlées à la sensibilité et au talent individuel conduiront à produire des œuvres qui traduisent les facettes diverses et changeantes du monde du moment et des mouvements artistiques internationaux.